Kluczem do triów sonatowych Buxtehudego, zarówno dla wykonawców, jak i dla słuchaczy, jest świadomość stylus fantasticus, który niemieccy kompozytorzy z końca XVII i początku XVIII wieku rozwijali w odpowiedzi na nowy, swobodnie twórczy styl włoskich kompozytorów, takich jak Claudio Merulo i Girolamo Frescobaldi. „Jest to najwolniejsza i najbardziej niepowstrzymana metoda komponowania” – pisał jeden z ówczesnych teoretyków. „Nie jest związana z niczym, ani ze słowami, ani z tematem melodycznym, powstała po to, aby ukazać geniusz i nauczyć ukrytego projektu harmonii oraz pomysłowej konstrukcji fraz harmonicznych i fug.” Siedem sonat w każdej z tych kolekcji, wydanych w Hamburgu w 1696 roku, oferuje ciągłą sekwencję krótkich części, do ośmiu na sonatę, które przeplatają wolne i szybkie tempa oraz tekstury improwizacyjne i kontrapunktyczne, zdominowane przez olśniewający zbiór wariacji ostinato, które osadzają melodie w świadomości słuchacza. Spotykamy dowcipne solówki, dialogi oraz rozmowy, wzniosłe zawieszenia, żwawo zrytmizowane synkopy i okazjonalne wypady w dziwaczną i modalną harmonię. Zakres ekspresji jest odpowiednio szeroki, w Op.1 nr 6 zapuszczając się w królestwo ciemności i desperacji tonacji d-moll. Muzycy na tym nowym nagraniu sonat tria Buxtehudego są doświadczonymi i zręcznymi wykonawcami stylu barokowego, z imponującym katalogiem albumów wytwórni Brilliant Classics. Valerio Losito nagrał m.in. sonaty na skrzypce Scarlattiego, Telemanna i Tessariniego, podczas gdy Simone Stella dokonał pełnych przeglądów twórczości organowej i klawesynowej Frobergera i Pachelbela – „wykonywane z naturalnym wyczuciem, szczególnie w kontekście wyjaśniania kontrapunktu” (Gramophone). Simone Stella wprowadza te fascynujące utwory, kamienie milowe w historii niemieckiej muzyki kameralnej okresu baroku, obszernym esejem w broszurce. To „muzyka pełna lirycznie delikatnych, smutnych i dramatycznych emocji” – mówi – „jak również melodyjna, harmonijnie satysfakcjonująca i pełna żywotności, świat dźwięków, który ustanawia go jako wyjątkowego geniusza w Panteonie Muzyki.” Dietrich Buxtehude (ok. 1637–1707) był wybitnym niemiecko-duńskim kompozytorem i organistą okresu baroku, znanym ze swojego wpływu na późniejszych kompozytorów, takich jak J.S. Bach i Handel. Najbardziej znany ze swojej sakralnej muzyki wokalnej i wirtuozowskich utworów na organy, Buxtehude pisał również znaczne ilości muzyki kameralnej.- Opublikowane odpowiednio w 1694 i 1696 roku, Sonaty Trio Buxtehudego składają się z dwóch zestawów po siedem sonat każda. Na tym nagraniu wykonywane są na jednym skrzypcach, violi da gamba i klawesynie. Utwory te stanowią połączenie niemieckiego kontrapunktu i stylu włoskiego. Sonaty wyróżniają się różnorodnością form, w tym częściami fugowanymi, tańcami oraz ekspresyjnymi, wolnymi fragmentami; pomysłowe wykorzystanie harmonii i rytmiczna żywotność odzwierciedlają żywego ducha wczesnego baroku. Sonaty Op. 1 i 2 są jednymi z najwcześniejszych znaczących dzieł instrumentalnych w północnych Niemczech i przyczyniły się do rozwoju gatunku sonaty. Wykonane przez trzech czołowych przedstawicieli włoskiej praktyki wykonawczej z uwzględnieniem historycznych realiów: Valerio Losito (skrzypce), Bettina Hoffmann (wiola da gamba) i Simone Stella (klawesyn). Valerio Losito z powodzeniem nagrał dla wytwórni Brilliant Classics dzieła Tessariniego, Veraciniego, Dal Barby, Telemanna i Alessandro Scarlattiego.

Kluczem do triów sonatowych Buxtehudego, zarówno dla wykonawców, jak i dla słuchaczy, jest świadomość stylus fantasticus, który niemieccy kompozytorzy z końca XVII i początku XVIII wieku rozwijali w odpowiedzi na nowy, swobodnie twórczy styl włoskich kompozytorów, takich jak Claudio Merulo i Girolamo Frescobaldi. „Jest to najwolniejsza i najbardziej niepowstrzymana metoda komponowania” – pisał jeden z ówczesnych teoretyków. „Nie jest związana z niczym, ani ze słowami, ani z tematem melodycznym, powstała po to, aby ukazać geniusz i nauczyć ukrytego projektu harmonii oraz pomysłowej konstrukcji fraz harmonicznych i fug.” Siedem sonat w każdej z tych kolekcji, wydanych w Hamburgu w 1696 roku, oferuje ciągłą sekwencję krótkich części, do ośmiu na sonatę, które przeplatają wolne i szybkie tempa oraz tekstury improwizacyjne i kontrapunktyczne, zdominowane przez olśniewający zbiór wariacji ostinato, które osadzają melodie w świadomości słuchacza. Spotykamy dowcipne solówki, dialogi oraz rozmowy, wzniosłe zawieszenia, żwawo zrytmizowane synkopy i okazjonalne wypady w dziwaczną i modalną harmonię. Zakres ekspresji jest odpowiednio szeroki, w Op.1 nr 6 zapuszczając się w królestwo ciemności i desperacji tonacji d-moll. Muzycy na tym nowym nagraniu sonat tria Buxtehudego są doświadczonymi i zręcznymi wykonawcami stylu barokowego, z imponującym katalogiem albumów wytwórni Brilliant Classics. Valerio Losito nagrał m.in. sonaty na skrzypce Scarlattiego, Telemanna i Tessariniego, podczas gdy Simone Stella dokonał pełnych przeglądów twórczości organowej i klawesynowej Frobergera i Pachelbela – „wykonywane z naturalnym wyczuciem, szczególnie w kontekście wyjaśniania kontrapunktu” (Gramophone). Simone Stella wprowadza te fascynujące utwory, kamienie milowe w historii niemieckiej muzyki kameralnej okresu baroku, obszernym esejem w broszurce. To „muzyka pełna lirycznie delikatnych, smutnych i dramatycznych emocji” – mówi – „jak również melodyjna, harmonijnie satysfakcjonująca i pełna żywotności, świat dźwięków, który ustanawia go jako wyjątkowego geniusza w Panteonie Muzyki.” Dietrich Buxtehude (ok. 1637–1707) był wybitnym niemiecko-duńskim kompozytorem i organistą okresu baroku, znanym ze swojego wpływu na późniejszych kompozytorów, takich jak J.S. Bach i Handel. Najbardziej znany ze swojej sakralnej muzyki wokalnej i wirtuozowskich utworów na organy, Buxtehude pisał również znaczne ilości muzyki kameralnej.- Opublikowane odpowiednio w 1694 i 1696 roku, Sonaty Trio Buxtehudego składają się z dwóch zestawów po siedem sonat każda. Na tym nagraniu wykonywane są na jednym skrzypcach, violi da gamba i klawesynie. Utwory te stanowią połączenie niemieckiego kontrapunktu i stylu włoskiego. Sonaty wyróżniają się różnorodnością form, w tym częściami fugowanymi, tańcami oraz ekspresyjnymi, wolnymi fragmentami; pomysłowe wykorzystanie harmonii i rytmiczna żywotność odzwierciedlają żywego ducha wczesnego baroku. Sonaty Op. 1 i 2 są jednymi z najwcześniejszych znaczących dzieł instrumentalnych w północnych Niemczech i przyczyniły się do rozwoju gatunku sonaty. Wykonane przez trzech czołowych przedstawicieli włoskiej praktyki wykonawczej z uwzględnieniem historycznych realiów: Valerio Losito (skrzypce), Bettina Hoffmann (wiola da gamba) i Simone Stella (klawesyn). Valerio Losito z powodzeniem nagrał dla wytwórni Brilliant Classics dzieła Tessariniego, Veraciniego, Dal Barby, Telemanna i Alessandro Scarlattiego.

Światowa premiera nagrań sześciu atrakcyjnych koncertów autorstwa neapolitańskiego flecisty-kompozytora, cenionego w Dublinie i Londynie w XVIII wieku. Tommaso Giordani (1730-1806) przybył na północne wybrzeże Kanału Angielskiego w 1753 roku jako jeden z najmłodszych członków wyraźnie utalentowanej muzycznej rodziny i znalazł wystarczający powód, by nigdy nie wracać na południe. W Dublinie udzielał lekcji chłopcu imieniem John Field, który później znacznie przewyższył sławę swojego nauczyciela, tworząc gatunek nokturnu fortepianowego. W międzyczasie Giordani powrócił do angielskiej stolicy, gdzie napisał większość swoich zachowanych kompozycji – takie jak ten zestaw koncertów na flet, pochodzący z lat 1775-1779 i dedykowany baronetowi grającemu na flecie. Każdy koncert podąża za znanym schematem formalnym: pierwszy ruch w formie sonatowej, refleksyjny drugi, często wznoszący się do znacznego punktu kulminacyjnego, oraz błyszczące rondo na zakończenie. W ramach tego schematu Giordani znajduje przestrzeń dla ciągłej różnorodności: forma nie ogranicza jego twórczości, lecz (w klasycznej praktyce barokowej) dostarcza raczej eleganckiego naczynia dla niej. Podobnie jak dobry baronet, wyraźnie pisał mając na myśli siebie jako solistę, a jest to muzyka napisana do pokazania i dla przyjemności, wykonywana tutaj w tym duchu przez zespół muzyków grających na historycznych instrumentach z Turynu, prowadzony przez włoskiego flecistę Giovanni Miszczyszyna. Nagranie zostało wykonane w 2024 roku w Chiesa della Santa Spirito w Turynie, gdzie muzycy regularnie organizują cykl koncertów. Jest przesiąknięte nie tylko duchem epoki Giordaniego, ale również kameralnym poczuciem wspólnego działania.

Światowa premiera nagrań sześciu atrakcyjnych koncertów autorstwa neapolitańskiego flecisty-kompozytora, cenionego w Dublinie i Londynie w XVIII wieku. Tommaso Giordani (1730-1806) przybył na północne wybrzeże Kanału Angielskiego w 1753 roku jako jeden z najmłodszych członków wyraźnie utalentowanej muzycznej rodziny i znalazł wystarczający powód, by nigdy nie wracać na południe. W Dublinie udzielał lekcji chłopcu imieniem John Field, który później znacznie przewyższył sławę swojego nauczyciela, tworząc gatunek nokturnu fortepianowego. W międzyczasie Giordani powrócił do angielskiej stolicy, gdzie napisał większość swoich zachowanych kompozycji – takie jak ten zestaw koncertów na flet, pochodzący z lat 1775-1779 i dedykowany baronetowi grającemu na flecie. Każdy koncert podąża za znanym schematem formalnym: pierwszy ruch w formie sonatowej, refleksyjny drugi, często wznoszący się do znacznego punktu kulminacyjnego, oraz błyszczące rondo na zakończenie. W ramach tego schematu Giordani znajduje przestrzeń dla ciągłej różnorodności: forma nie ogranicza jego twórczości, lecz (w klasycznej praktyce barokowej) dostarcza raczej eleganckiego naczynia dla niej. Podobnie jak dobry baronet, wyraźnie pisał mając na myśli siebie jako solistę, a jest to muzyka napisana do pokazania i dla przyjemności, wykonywana tutaj w tym duchu przez zespół muzyków grających na historycznych instrumentach z Turynu, prowadzony przez włoskiego flecistę Giovanni Miszczyszyna. Nagranie zostało wykonane w 2024 roku w Chiesa della Santa Spirito w Turynie, gdzie muzycy regularnie organizują cykl koncertów. Jest przesiąknięte nie tylko duchem epoki Giordaniego, ale również kameralnym poczuciem wspólnego działania.

Muzyka prezentowana na tym CD ma wyjątkowe pochodzenie. Hildegarda z Bingen (1098-1179), mistyczka, teolog i niemiecka kompozytorka, twierdziła, że słyszała te melodie podczas nadprzyrodzonych doświadczeń. Podczas gdy inni wizjonerzy mogą tracić kontakt z rzeczywistością i popadać w ekstazę, Hildegarda doświadcza swoich wizji, pozostając całkowicie przytomna. Później przekazuje to, co widziała i słyszała, poprzez obrazy, pisma i muzykę. Tytuł tego CD, Vox Aeternitatis, odnosi się do boskiego głosu, który nakazuje mistyczce spisać swoje objawienia. Te kompozycje pochodzą z "Symphonia harmoniae caelestium revelationum", najważniejszego dzieła muzycznego Hildegardy. Tytuł odzwierciedla niebiańskie pochodzenie tych utworów, które obejmują siedemdziesiąt siedem pozycji, takich jak Psalmy, Hymny, Sekwencje i Antyfony. Do tego wykonania artyści wybrali instrumenty muzyczne związane ze środowiskiem średniowiecznego monastycyzmu, takie jak psalterium, symfonia, cymbały, fidel, perkusja, flet i monochord. Występują tylko dwa głosy: jeden kobiecy, najlepiej reprezentujący samą Hildegardę, oraz jeden męski, mnich Volmar, jej sekretarz, odpowiedzialny za spisywanie treści wizji. Melodie Hildegardy czasami wykraczają poza konwencje kompozytorskie ówczesnych czasów, szczególnie pod względem zakresu wokalnego i rozwinięcia melizmów — elementów, które niekiedy sięgają granic wykonalności. Jej styl jest wyjątkowo osobisty i nie do pomylenia, co widać w ustawieniach modalnych doskonale dopasowanych do tekstów, a także w wysoce charakterystycznych i powtarzających się formułach melodycznych, ściśle związanych z duchowym i ekspresyjnym charakterem słów. Wykonywane z wielkim szacunkiem i zaangażowaniem przez Schola Romana Ensemble, założony w 2000 roku przez flecistę i dyrygenta Stefano Sabene, grupę specjalizującą się zarówno w muzyce dawnej, jak i współczesnej. Zespół przedstawia interdyscyplinarne produkcje muzyczne, które często nawiązują dialog z różnymi formami sztuki, takimi jak teatr, taniec, architektura, sztuki wizualne, literatura i film. Ich zaangażowanie w badania muzykologiczne i eksperymenty skłania zespół do eksploracji rozległego repertuaru, obejmującego muzykę od starożytnego Rzymu po średniowieczną Europę. W tym kontekście szczególnie skupili się na praktyce wykonawczej polifonii „a cappella”, odkrywając na nowo tzw. „strojenie harmonia naturalna” (just intonation).